Mind the Step è il nome della giovanissima formazione campana diretta da Salvatore Cutrì ed è per certi versi un piccolo, assertivo manifesto programmatico: il lavoro della compagnia intende analizzare la realtà contemporanea, i suoi strumenti materiali ed i meccanismi immateriali (sociali, psicologici, cognitivi) che questi attivano. L’obiettivo dichiarato è quello del teatro “dialettico”, potremmo dire, ovvero stimolare la riflessione sollevando dubbi più che consolidando certezze.

Fog, una delle rivelazioni del Premio Scenario 2019, è un lavoro che esprime perfettamente questa visione teatrale. In scena, solo quattro sedie allineate, frontali al pubblico. Chi legge sarà già colto da un retro- pensiero e forse da uno sbadiglio: niente di nuovo, anzi niente di più visto e rivisto, usato ed usurato.

Non è così. E’ solo un’impressione che lo spettacolo farà presto svanire, alimentato da ritmi sempre vertiginosi. Proseguiamo, dunque: quando la luce si accende sulla scena, la percezione dello spettatore riceve da subito un messaggio di specularità, con gli attori che guardano anziché essere oggetto di sguardo. Ma anche questo dura un attimo, perché lo spettacolo non gioca su tecniche di interazione né di provocazione del pubblico, se non di carattere intellettivo. Anzi, Fog è un lavoro che trasuda contemporaneità e freschezza giovanile, ma è sostenuta da un impianto solido in tutte le sue componenti: drammaturgia, regia, recitazione.

La frontalità è un elemento fondativo dello spettacolo, presentato al festival Scenari Europei di Pescara nel formato di corto teatrale di venti minuti. I personaggi in scena parlano tra di loro ma guardano sempre gli spettatori. Si rivolgono a loro. L’un l’altro -più che parlare- interagiscono, condividono parole, frasi, monconi e singole stringhe verbali, ma con il pubblico esprimono l’interezza del loro flusso di pensieri, talvolta in contrasto con quanto dichiarano direttamente.

Ma non si tratta di monologo interiore, perché in Fog la parola drammatica viene elusa, superata, ricreata a partire da un materiale studiatamente narrativo. Siamo insomma davanti ad una formula riattualizzata di teatro epico, impossibile da immaginare prima dell’avvento massivo del digitale e dunque eminentemente voce dei nostri tempi.

I tre personaggi principali si attivano ad intermittenza davanti a noi, proprio come se fossero degli utenti di una chat di cui il pubblico possiede le chiavi, alla stregua di un amministratore occulto. C’è anche un quarto personaggio che si attiva però solo in un secondo momento, quando le vicende dei tre giovanissimi vengono condivise in diretta, esponendole così alla fruizione pubblica indiscriminata.

Ma si tratta di personaggi a tutti gli effetti. Ciò vuol dire che, nella loro rimodulazione del linguaggio teatrale, i Mind The Step non ricorrono ad una pura coralità impersonale tramite cui il testo venga giocato in termini ritmici, espediente che pure ricorre di sovente nei lavori degli artisti emergenti nell’ultimo decennio (da Babilonia Teatri a Liv Ferrachiati). Anche la nudità estrema della scena non risponde a scelte stilistiche in chiave minimalista, per farsi elemento programmatico e necessario di un intero progetto di spettacolo.

Il tutto incornicia e sostiene il quadro di una serata qualunque tra adolescenti, sospesa tra senso del vuoto ed un bisogno di assenso riacceso oltre i limiti naturali dalla comunicazione tecnologica (autoscatti, condivisione, accumulo di like). Una iper-possibilità che abitua la mente ad una illusione di controllo sulla realtà. Ma cosa succede quando la realtà si reimpone, quando gli eventi precipitano e la situazione diventa urgente o addirittura tragica?

E’ qui che si mostra in tutta la sua compattezza la nebbia, l’obnubilamento della percezione, la consapevolezza di quanto accade realmente e delle sue conseguenze effettive.

Lavoro estremamente interessante, proposto in una messinscena che trasmette accuratezza e preparazione, dove una levità godibilissima delle battute convive con un precipitato profondo ed inquieto.

Paolo Verlengia

Con questo potente assolo, Carolina Cametti esprime in maniera inequivocabile tutta la sua passione per la parola, per la ricchezza della lingua come mezzo ampio, da perlustrare nelle sue infinite possibilità ma anche da curare, come creatura che necessita di essere alimentata costantemente.

E la parola diventa davvero la protagonista quasi fisica della performance, presentata al Festival Scenari Europei di Pescara sotto forma di corto teatrale di venti minuti, dopo aver vinto una Segnalazione Speciale al Premio Scenario 2019.

Nel suo doppio ruolo di autrice ed interprete, Carolina Cametti dona corpo e voce ad una richiesta urgente, ora speranzosa e delicata come una preghiera, ora rabbiosa, provocatoria, sbarazzina. E poi fragile di nuovo, ma sempre intensa e vibrante.

Chi è il destinatario di queste diverse istanze? Probabilmente il nostro tempo, il presente, indagato a partire dalla giovinezza come condizione ultima, tutt’altro che spensierata. Dove anzi ogni momento che passa rintocca il senso di una perdita incommensurabile. Perché la giovinezza non è una condizione autosufficiente, è un credito da spendere: esiste per realizzare progetti, per sostenere con la sua energia il massimo sforzo da produrre nella propria esistenza.

Eccola, evidentissima, l’energia prepotente che è l’aura della vita: l’azione di Carolina Cametti è esplosiva ed adrenalinica come un concerto rock sviluppato in un fazzoletto di superficie, il quadrato di palcoscenico che circonda una sedia spartana, ma sufficientemente solida per sostenere le evoluzioni “ginniche” della performer. Lei si muove con agilità esuberante, quasi uno strapotere atletico che volutamente si depaupera, si immola. Si degrada a terra e si risolleva costantemente, ad ostentare con fierezza i lividi ma soprattutto la propria resistenza.

Perché è una lotta, un percorso controcorrente la fuga dal disimpegno imperante. Perché è un urlo l’affermazione della propria dignità di individuo. Così la parola, sostenuta da una musicalità di rime e reiterazioni cicliche, si lascia frustrare nella sua accuratezza che eccede le possibilità del mondo in cui vive. Inutile, come la bellezza di un fiore tra i massi. Inestimabile, come la bellezza di un fiore tra le macerie.

Pur non concedendo pause, né alla parola né all’azione, Carolina Cametti riesce ad assicurare precisione e fluidità ai singoli passaggi di una performance dispendiosa, in cui i versi vengono accompagnati da un parallelo linguaggio corporeo, nervoso ed incessante.

Paolo Verlengia

Tre donne in fila, il tempo che si dilata, la parola dà vita a situazioni e trasformazioni. Un dramma dell’attesa, si dirà, un piccolo classico del teatro contemporaneo.

In realtà, con Il Colloquio il collettivo Lunazione va oltre le facili attese, senza bisogno -per altro- di rivoluzionare le categorie tradizionali. Sorprende anzi la piena maturità della formazione, vincitrice con questo progetto del Premio Scenario Periferie 2019.

Il colloquio non è un brillante lavoro giovanile, un fresco tripudio di energia e colore. Lo studio di venti minuti -proposto con successo al Florian Espace come spettacolo di chiusura del Festival SCENARI EUROPEI 2019- lascia prevedere la costruzione di uno spettacolo che lascerà un segno duraturo.

Le tre donne sono in fila davanti al carcere di Poggioreale, in attesa di incontrare i loro uomini per pochi minuti. Eppure attorno a questo tempo residuale costruiscono la loro vita, riadattano speranze e quote di felicità, rimodulano il proprio ruolo di donna. E’ questo il complesso di fattori che sta dietro alla superfice dello spettacolo, quella superfice che poi in teatro è tutto, è lo spettacolo stesso.

Saliamo dunque in superficie ed andiamo a vedere.

Tre uomini, frontali al pubblico. I loro costumi recano un comune elemento di colore rosso, rigiocato liberamente da ciascuno di loro: un cardigan per il primo personaggio, un giacchino aperto per il secondo, una maglia girocollo per il terzo, con audaci inserti maculati sui lati. Tutti e tre vestono un pantalone nero di taglio neutro e calzature dello stesso colore di modello maschile. Tutti e tre portano con sé una voluminosa busta, una sportina rigida da supermercato, l’una del tutto identica a quella altrui tanto da sembrare intercambiabile, eppure è serbata con piglio sospettoso e protettivo.

I tre personaggi si colorano le labbra con un rossetto scarlatto, poi si dispongono di profilo. Inizia l’attesa, che per certi versi richiama l’atmosfera del western per l’immobilità del tempo che aleggia sopra le fila di vita sospese.

Questa è la pelle dello spettacolo, che come un organismo vivente risente della salute degli organi che contiene. Il colloquio ci permette di riflettere sulla natura stessa del teatro, il suo essere un organismo sistemico di più livelli, ma soprattutto una realtà parallela. Una realtà fatta di finzione, naturalmente, che però viene perlustrata, abitata e vissuta integralmente dagli artisti di scena.

Una finzione presa “maledettamente” sul serio e dunque mai sovrapposta alla realtà. Il mascheramento intermedio dei tre attori è dunque un ponte che conduce lo spettatore a bordo di questa finzione, facendola diventare realtà. Una realtà parallela –dicevamo- che il pubblico può vivere soltanto quando lo spettacolo lo permette, costruendo gli strumenti adatti ad un incantesimo.

Oggi celebriamo il Collettivo Lunazione, perché uno spettacolo perfettamente riuscito è un evento raro, prezioso, divinatorio, capace di connessioni dimensionali pur senza mai rinnegare la sua matrice terrenale.

Il colloquio è stato salutato con calore vibrante dal pubblico del Florian Espace di Pescara. Nell’attesa interminabile, le tre donne si dibattono tra slanci di solidarietà ed una ferina marcatura del territorio, condensando in ogni gesto gli insegnamenti taciti appresi da una condizione innaturale che sa di amputazione. Questa cifra dolorosa non si smarrisce mai, mentre il dialogo si muove liberamente verso continue punte comiche irresistibili, illuminate da squarci poetici autentici di tipica marca partenopea.

Paolo Verlengia